18 сезон
Подписаться на афишу:
 

Санкт-Петербург

+7 (812) 915 79 61

Музыкальный словарик

mozart


mozart

 

Слово «композитор» в переводе с латинского языка называет человека, который что-то связывает, соединяет между собой, составляет. В далёкие времена композитором можно было назвать даже того, кто занимался составлением, композицией красивых букетов!

Композитор искусно соединяет ЗВУКИ в единую КОМПОЗИЦИЮ, музыкальное произведение.

Некоторые великие композиторы уже в детстве начинали сочинять музыку. Великий композитор Вольфганг Амадей Моцарт стал композитором, когда ему было всего… четыре года.

Однажды отец застал Вольфганга за целой кипой нотной бумаги, на которую дождем сыпались кляксы. Он перепачкал чернилами всё, что только можно было перепачкать: одежду, руки, лицо, стол. Даже пол вокруг стола был залит чернилами.

Огромные чернильные кляксы покрывали и уже исписанные нотами листы, разбросанные по всему столу. Эти кляксы мальчик спокойно вытирал рукой и поверх них снова писал ноты.

На вопрос отца: «Что ты пишешь?», он уверенно отвечал: «Концерт для клавесина; первая часть уже почти готова».

Леопольд взял исписанные листы и был потрясён до глубины души: перед ним лежал не исполнимый по трудности, но совершенно правильно написанный концерт!

Это было первое произведение будущего великого композитора. Маленький Моцарт был столь одарён, что его называли ВУНДЕРКИНДОМ, чудо-ребёнком.

Маленьким вундеркиндом был в детстве русский композитор Сергей Прокофьев.

Первым преподавателем музыки Серёжи стала его мать. Вот что пишет сам Прокофьев в знаменитой книге о своём детстве – «Автобиографии»: «Музыкальные склонности мои начали проявляться рано, вероятно года в четыре.

Музыку в доме я слышал от рождения. Когда вечером укладывали спать, а спать не хотелось, я лежал и слушал, как где–то вдалеке, за несколько комнат, звучала соната Бетховена. Больше всего мать играла сонаты из первого тома; затем прелюдии, мазурки и вальсы Шопена».

«К моему музыкальному развитию мать относилась с большим вниманием и осторожностью. Главное, поддержать в ребенке интерес к музыке и, сохрани бог, не оттолкнуть его скучной зубрежкой. Отсюда: на упражнения как можно меньше времени и как можно больше на знакомство с литературой. Точка зрения замечательная, которую надо бы, чтобы мамаши помнили.

Первое время, то есть когда мне было семь лет, мать занималась по двадцать минут в день, тщательно следя, чтоб никогда не передерживать сверх урочного времени; потом, годам к девяти, постепенно увеличила до часу».

Еще не зная нот, мальчик пытался играть на рояле свои первые сочинения. В девять лет, под впечатлением первой услышанной оперы («Фауст» Гуно), Сережа сочиняет свою оперу! Сюжет её он придумал сам. Это была опера «Великан» в трех действиях с приключениями и поединками.





 

Очень давно, в Древней Греции, существовал музыкальный инструмент, который называли монохордом (monos - по-гречески один, chorde - струна). Это был длинный и узкий деревянный ящик с натянутой сверху струной.

Постепенно к одной струне стали прибавляться другие. Играли на них, защипывая струны пальцами или особыми пластинками - медиаторами, а иногда - ударяя по струне палочками, молоточками.

Шли века, инструмент продолжал совершенствоваться. Ящичек стал прямоугольным, а на одной из его сторон разместилась клавиатура. Теперь исполнитель нажимал на клавиши, а они приводили в движение металлические штырьки, похожие на гвоздики. Штырьки касались струн, и те начинали звучать. Этот инструмент стал называться клавикордом (от латинского clavis - ключ и греческого chorde - струна).

Его ставили на стол и играли стоя.

Со временем у клавикорда стали делать несколько клавиатур. Они помещались одна над другой в виде лесенки. Каждой клавиатуре соответствовал определенный регистр инструмента. Звук клавикорда был очень нежным и певучим. Исполнитель по своему желанию мог играть громче или тише. Но был у клавикорда и недостаток: несмотря на все усовершенствования, большой громкости звука так и не удалось добиться.

Клавикорд был предметом роскоши, украшением гостиных и салонов. Поэтому клавикорды делали нарядными, красиво изукрашенными перламутром, драгоценными породами дерева.

В конце XVII века во Франции нижние клавиши (те, что в современных роялях делаются белыми) стали вытачивать из черного дерева, а верхние обкладывали слоновой костью. Это делалось для того, чтобы на темном фоне лучше выделялись изящные белые руки знатных дам-клавикордисток. Позже расположение цветов на клавиатуре изменилось. Оно стало таким, какое мы видим и теперь у пианино и роялей.

Одновременно с клавикордом возник клавесин. В отличие от клавикорда, струны клавесина были разной длины, и это определило характерную форму, которая потом перешла к роялю. Вначале это тоже был ящик, который ставили на стол. Позднее же инструмент встал на собственные ножки - изящные, точеные.

Звук на клавесине извлекался не ударом, а щипком: клавиша приводила в движение упругие язычки (чаще всего их делали из птичьих перышек), которые зацепляли струну. Он был сильнее, чем у клавикорда, но не так выразителен и красив. Исполнитель не мог влиять на его качество, как при игре на клавикорде. С какой бы силой ни ударяли по клавишам, делали это резко или мягко, - ничего не менялось.

Пьесы для клавесина писали композиторы XVII - XVIII веков - клавесинисты: Куперен, Дакен, Рамо. Они писали танцы для клавесина, создавали своеобразные музыкальные портреты и картинки: «Жнецы», «Цыганка», «Бабочки», «Курица». Эти изящные небольшие пьесы были в духе того «галантного» времени, когда носили пудреные парики, платья со множеством бантиков и кружев.

pery-fleyta


krysolov

 

Блок-флейта (нем. Blockflöte — флейта с блоком) — разновидность продольной флейты. Это духовой деревянный музыкальный инструмент из семейства свистковых. Родственные инструменты: свирель, вистл. Во второй половине XIX в. вытеснена поперечной флейтой.

Давным-давно блок-флейта была простой Тростинкой. Такие тростинки-камышинки во множестве растут по берегам рек и озёр. Часто к Тростинке прилетел Ветер-путешественник. Он рассказывал нашей тростинке о небывалых странах, горах, дворцах, о странствиях и людях. И тогда у Тростинки от восторга внутри всё замирало, и она нежно и задумчиво шелестела в ответ.

Но как-то раз в её жизни всё поменялось. В это тихое утро она не дождалась своего друга – Ветра. Мимо по берегу реки шёл мальчик-рыбак. Он заметил Тростинку и сорвал её. Сначала, повертев её в руках, он подумал, что из ней можно бы было сделать удочку. Но для удочки она была слишком коротка. К тому же из подобных тростинок он уже сделал себе множество замечательных удочек.

Тогда мальчик достал из кармана ножичек. Присев на камень, он стал осторожно вырезать в Тростинке отверстия. Всего их стало семь. Потом поднёс к губам и…подул. И вдруг, под его губами и пальцами, простая тростинка ожила, зазвучала. И превратилась в первую на земле Свирель.

Скоро бедный мальчик-рыбак продал Свирель Мастеру музыкальных инструментов. Мастер изменил форму нашей Свирели. Отверстие, в которое вдувают воздух, он вырезал в форме свистка. Свистковую Флейту он назвал продольной или Блок-флейтой. В старинные времена такие флейты делали из глины, тростника, дерева или металла. А вот как о блок-флейте рассказывает одна старинная легенда про Гаммельнского крысолова.

Однажды в город Гаммельн пришли крысы. Они причиняли жителям города неисчислимые бедствия. И вот явился крысолов, взявшийся избавить город от беды. Магистрат заключил с ним договор, по которому обязался выплатить 1000 талеров, если он сумеет избавить город от крыс.

Крысолов заиграл на волшебной флейте и крысы вышли из своих нор, вошли в реку и утонули. Но жадный магистрат не захотел заплатить Крысолову положенную ему сумму. Тогда Крысолов жестоко отплатил жителям Гаммельна: он снова заиграл на своей флейте и все дети послушно пошли с ним и навсегда исчезли иэ Гаммельна.

Рассказывают, что где-то далеко в горах живут счастливые люди, не знающие несправедливости, корысти и несчастий.

Блок-флейта - один из тех музыкальных инструментов, на котором легко научиться играть малышу от 3,5-4 лет. Более полную информацию о блок-флейте смотрите здесь www.blf.ru.

Колёсная лира

 

Колёсная лира (харди-гарди, вьель, органистр, органиструм) - народный струнный музыкальный инструмент, по форме напоминающий скрипичный футляр.

Французское название Vielle a`roue (колесная скрипка) описывает метод, которым извлекается звук. Играющий левой рукой нажимает клавиши, а правой вертит рукоятку, приводящую в движение специальное колёсико, обтянутое волосом, кожей и натёртое канифолью. Колесико через отверстие в деке трётся об струны и заставляет их звучать.

Над корпусом колёсной лиры натянуты три струны различной настройки, помещённые в особый ящичек. Сбоку ящичка прикреплена небольшая клавиатура с 8-11 клавишами. Колёсная лира - первый струнный инструмент, в устройстве которого применяется клавиатура.

Перед игрой исполнитель набрасывает себе на плечи ремень, прикрепленный к корпусу, кладет инструмент на колени. Играющий левой рукой нажимает клавиши, а правой вертит рукоятку, приводящую в движение специальное колёсико, обтянутое волосом, кожей и натёртое канифолью. Колесико через отверстие в деке трётся об струны и заставляет их звучать.

Средняя, мелодическая, струна изменяет свою высоту от нажима клавиш и служит для исполнения мелодий. Крайние струны (2 или 4) — аккомпанирующие, бурдонные, т.е. издающие непрерывный звук, они во время игры не изменяют своей высоты.

Звук лиры сильный, резкий, несколько гнусавого оттенка.

Среди лирников существовала преемственность. Мальчики 10-12 лет воспитывались под руководством опытных лирников. После 4-5 лет обучения будущий певец должен был сдать экзамен. Оценивалось не только умение исполнять и толковать духовные стихи-притчи, но и самостоятельно сочинять их на заданную тему.

Если юноша сдавал экзамен, то он уже становился полноправным лирником и вместе с другими мог свободно ходить по городам, петь духовные стихи, нести Слово Божие в народ. Это было смыслом жизни лирника.



 

«Самый важный и самый интересный в музыкально-историческом отношении инструмент», - так говорят о лютне многие музыканты, интересующиеся историей музыкальных инструментов.

Лютня была распространена во всем древнем мире. Лютню считали самым совершенным из всех музыкальных инструментов и называли ее королевой инструментов.

В XV - XVII веках она звучала повсюду. Использовали ее и как сольный инструмент, и для сопровождения. Лютни больших размеров звучали в ансамблях и даже в оркестрах.

Постепенно ей пришлось уступить свое место смычковым инструментам: они обладали более мощным и ярким звуком. А в домашнем музицировании лютню вытеснила гитара.

Если вы когда-нибудь видели репродукцию картины Караваджо «Лютнист», то представляете себе, как выглядит этот инструмент. Корпус лютни напоминает половину дыни или панцырь черепахи, большой по размеру. На широком грифе крепятся колки для натяжения струн.

Нижняя дека, то есть выпуклая часть корпуса, для красоты часто проложена кусочками черного дерева или слоновой кости. Посередине верхней деки - вырез, сделанный в виде красивой звезды или розы. У больших, так называемых архилютен, таких вырезов-роз было три.

Количество струн на лютне бывало разным, от шести до шестнадцати, причем все они, кроме двух самых высоких, были удвоенными в унисон или октаву.

Играли на лютне сидя, положив ее на левое колено. Правой рукой защипывали струны, в то время как левая фиксировала их на грифе, удлиняя или укорачивая.

Несколько десятков лет назад казалось, что лютня - инструмент ушедший от нас безвозвратно. Но в последние годы появился интерес к старинной музыке, старинным инструментам. Поэтому теперь в концертах ансамблей старинной музыки вы можете иногда увидеть лютню и ее разновидности - архилютню и теорбу.



 

Виола — старинный струнный смычковый музыкальный инструмент с ладами на грифе.

Виола явилась предшественницей современных струнных смычковых инструментов — скрипки, альта, виолончели и контрабаса. По-итальянски «виола» значит цветок. И действительно, виолы, как и цветы, были очень красивы. Мастера украшали инструменты маленькими резными головками с изображением голов людей и животных. Сами виолы делались из ценных материалов.

На виолах играли по-разному. Маленькие виолы держали у плеча и называли виолами да браччо, что значит плечевые. На виолах побольше играли сидя, зажав её между ног или положив боком на бедро, — поэтому инструмент приобрёл название виола да гамба, то есть ножная виола.

Благодаря мягкому и нежному звучанию, виолы стали очень любимы во дворцах, где на них играли при мягком тусклом свете свечи музыканты в бархатных камзолах и париках.

Прошло время. На смену небольшим дворцовым комнатам пришли концертные залы. На смену тихому клавесину пришёл рояль с его мощным ярким звуком. И тогда виолы сменились новой дружной семейкой струнных смычковых инструментов. Во главе этой семьи встала самая маленькая из них – скрипка, по-итальянски «виолино», то есть «маленькая виола».

Форма корпуса (или резонансного ящика) виолы напоминает очертания человеческого тела. Корпус имеет верхнюю и нижнюю деку, которые служат для отражения и усиления звука. На верхней расположены резонаторные отверстия (в виде латинской буквы f; не случайно их называют «эфы»). К корпусу крепится шея-гриф. Это длинная узкая пластина, над которой натянуты шесть струн. Для натяжения и настройки струн служат колки; они находятся на головке грифа.

Во время игры музыкант водит по струнам смычком, представляющим собой деревянную трость с натянутыми конскими волосами. Пальцами левой руки исполнитель укорачивает струну, прижимая её в различных местах к грифу — таким образом он добивается различной высоты звука.

На грифе виолы расположена лесенка из металлических узких пластинок. Они называются ладами и соответствуют разным звукам.

На виоле звук можно извлечь также щипком (этот приём называется пиццикато). При этом исполнитель убирает смычок и играет пальцами, защипывая струны, как это делается у струнных щипковых инструментов. Звук при этом получается специфический, похожий на звук гитары или балалайки.



 

Поначалу шарманкой был «птичий органчик» для обучения певчих птиц, а затем его взяли «на вооружение» бродячие музыканты.

Сейчас вряд ли кто-нибудь помнит шарманку а когда-то она была очень распространена. Во двор входил старик с пестро расписанным ящиком на плече, часто - с сидящей на нем обезьянкой. Это был шарманщик. Он снимал с плеча ящик и начинал размеренно вращать рукоятку шарманки. С шипением и всхлипываниями из шарманки раздавались звуки вальсов и полек.

Что же такое шарманка? Это небольшой переносной орган с механизированным звукоизвлечением. На его валиках записано несколько пьес, которые и начинают звучать, когда шарманщик крутит ручку. Это был музыкальный инструмент для тех, кто не умеет играть.

Чаще всего звучал а песенка «Прелестная Катарина» (по-французски «Сharmant Katarina») От названия песенки и произошло название инструмента - шарманка.

Часто запись на валиках шарманки стиралась, шарманка начинала фальшивить. Бедный шарманщик не мог купить новый инструмент. И постепенно слово шарманка стало ассоциироваться с фальшивым я нудным, однообразным звучанием.

Поэтому и сейчас, когда давным-давно шарманок нет и в помине, можно услышать укоризненное и сердитое: «Ну, опять свою шарманку завел..»

Впечатления от шарманочных мелодий передал Д. Д. Шостакович в некоторых своих пьесах, таких, как Полька-шарманка.

 

Волынка — духовой инструмент, притом очень своеобразный. Ее отличительная деталь - мех, то есть мешок из кожи. В мех вставлены несколько трубок. Одна из них - с отверстиями, как у любого деревянного духового инструмента. На ней исполняют мелодию. Другая трубочка, маленькая, служит для нагнетания воздуха: исполнитель дует в нее и наполняет волынку воздухом.

Все остальные трубки сопровождают мелодию непрерывным звучанием из нескольких звуков. Таким образом, мелодия на волынке всегда звучит в сопровождении неизменного аккомпанемента.

На волынке играют, как правило, на открытом воздухе, так как звук ее сильный, пронзительный. Ею сопровождают исполнение народных танцев. В Шотландии есть военные оркестры волынщиков. Музыканты играют в своих национальных костюмах - коротких клетчатых юбочках.

В разных краях инструмент этот называется по-разному. Издавна знали его у нас в России под названием дуды. Дудой или козой называется он на Украине и в Белоруссии.

 

Редкие музыкальные инструменты

Вистл

Флейта Пана

Мандолина

Мандолина – итальянский струнно-щипковый музыкальный инструмент, потомок лютни. Мандолину создали итальянские музыканты, упрощая лютню. Постепенно она стала популярна и в других странах.

Существуют оркестры мандолин разных размеров. Оркестры эти, в которые иногда включаются гитары, носят название неаполитанских. Бывают случаи, когда мандолина включается даже в оперный и симфонический оркестры.

По форме мандолина очень похожа на лютню. На ее восьми струнах, настроенных попарно, играют медиатором в технике тремоло. Так как металлические струны мандолины издают короткий звук, то протяжные ноты достигаются быстрым повторением одного и того же звука. В переводе с итальянского языка слово мандола означает миндаль: по своему очертанию корпус мандолины несколько напоминает косточку миндаля.

Моцарт использовал мандолину в своей опере "Дон Жуан". Герой оперы по имени Дон Жуан играет на мандолине, исполняя романтическую серенаду под окном своей возлюбленной.

Текст защищен авторскими правами.
Любое цитирование материалов сайта возможно только
с разрешения автора проекта «Пикколо»

Контакты

Мы в социальных сетях:

logo instagram

 

Поделиться:

Шилонцев Александр Администратор детского музыкального лектория
«Пикколо» Александр с радостью ответит на все
Ваши вопросы по телефону: +7(812) 915-79-61   piccolo.alexandr@gmail.com
   
Если Вы хотите связаться с руководителем
Детского музыкального лектория «Пикколо»
Ольгой Пикколо, то пишите, пожалуйста,
сюда: piccolo.olga@gmail.com
© Все права защищены
2009-2015 ДМЛ «Пикколо»
  • Наталья Вихман

     Ольга, здравствуйте!  Извините, пожалуйста, что не подошли к Вам после концерта, но не хотелось сеуты, а хотелось плавно и тихонько идти и нести с собой этот кувшин, наполненный до краев светом, музыкой, солнцем, душевностью и духовностью, не расплескав ни одну капельку. Вспоминаю, как почти 8 лет назад пришли к Вам со старшим сыном, как сложно ему было преодолеть себя и войти в зал на первом концерте, как Вы разрешили ему слушать концерт у папы на руках почти в дверях. Разрешили легко, с улыбкой, без тени сомнения. Такая открытость, доверие и вера в детей сразу поселили любовь в наших сердцах. Пикколо и музыка стали частью нашей жизни на многие годы.  И сегодня, когда мы вошли в зал и в моей руке снова маленькая ладошка, но уже младшего сына - для меня было как возвращение домой, когда после длинного, интересного, дальнего путешествия ты переступаешь порог родного дома. Ты немного волнуешься, ведь уже успел отвыкнуть, но видишь с какой радостью и теплом тебя встречают, ты оглядываешься, подмечаешь новые детали, но уже через несколько минут кажется, что как-будто и не было этого расставания. Ты всегда был здесь. И чувствуешь всем сердцем, как здесь хорошо, тепло, радостно и искренне! Спасибо за замечательный концерт, молодые исполнители очаровательны и профессиональны! Спасибо за море чувств и отличное настроение!  
  • Элла Фрадкина

    Конечно же, здесь «работали» разные механизмы «заражения» публики. Сама сказочница в соответствующем одеянии (белое платье «с крыльями», периодически с помощью темной накидки вносящая соответствующий рассказу колорит), выросшая на моих глазах техника речи и живая пластика Ольги, из музыковеда превратившаяся в настоящую драматическую артистку. Затем - перетекающие один в другой выразительные рисунки песочной анимации художницы Оксаны Калинко ( хотелось бы только посоветовать ей быть еще более смелой и темпераментной в поисках динамичных эффектов и не чураться абстрактной эмоциональной живописи). Музыкальная партитура спектакля достойна всяческих похвал. Несмотря на свойственную всем спектаклям Ольги полистилистическую палитру, сочетающую яркие фрагменты произведений разных композиторов-классиков, здесь было налицо очень хорошо продуманная забота о целостности. Было достигнуто то, что в музыковедении с легкой руки академика Асафьева называется «симфонизмом»: - музыкальные темы были сквозными, развиваясь, эмоционально видоизменяясь, достигая необходимых кульминаций и спадов, то есть, создавая на протяжении всего спектакля музыкально драматургический аналог сюжета. В этом большими союзниками автора были прекрасные, виртуозно играющие музыканты с большим опытом творческой работы над транскрипциями классики: Алексей Чижик (вибрафон). Дуэт In-Temporalis в составе -Полина Фрадкина (фортепиано) и Йоэль Гонсалес (шумовые, ударные) . Они были не просто иллюстраторами, а с азартом участвовали в инструментально-сценическом Действе. Хорошо работали и световые эффекты художник Екатерина Аронова. Поздравляю всех с большим успехом! Особенно же поздравляю вечно ищущую, увлекающуюся, артистичную, талантливую выдумщицу, фантазерку Ольгу-Пикколо! Музыковед, Заслуженный деятель искусств РФ Элла Фрадкина
  • Юлия Блок

    Пикколо -это что-то потрясающее! Это островок культуры в нашей сегодняшней жизни! Это так прекрасно -сознавать, что ты даёшь ребёнку самое лучшее ....! Мы с моими дочками стараемся приходить на концерты как можно чаще, потому что дети действительно ЖДУТ следующего концерта, это стало частью их жизни! Если ребёнок кричит "УРАА" накануне концерта -это о чём-то говорит! о многом говорит! А ведь пришли мы совсем маленькими -2.3 года,- и ведь вначале сидели и ковыряли застёжки на туфельках))) Моих детей научили СЛУШАТЬ и СЛЫШАТЬ, научили ВЫСТУПАТЬ и даже ..кланяться )) ! Даже дома дочки играют " концерт" - рассаживают игрушки, берут свои детские инструменты - играют и поют своим куклам и мишкам!)) Это невероятно, но некоторые произведения, услышанные на лектории, дети запоминают с одного раза и с лёгкостью потом узнают! А сколько мы узнали нового о музыкальных инструментах, сколько интересных и волшебных историй услышали!! К каждому концерту многие детки рисуют запомнившееся на концерте, малыши делают аппликации, коллажи: насколько это продумано!!! Ведь дети таким образом не только творят, но и закрепляют полученные впечатления и знания. Я хочу сказать огромное преогромное спасибо Ольге Максимовой за моих девочек и за всех детей и их родителей, кто имеет счастье приходить на концерты "Пикколо" !!!
  • Юлия Рыбникова

    Уже несколько раз нам с сыном (2,5 г.) посчастливилось побывать на концертах Пикколо. Программа каждого концерта была очень насыщенной и интересной - 45 минут пролетали очень быстро. Я была очень удивлена, как такие маленькие детки с большим вниманием и участием слушают классическую музыку. Королева музыки Ольга Пикколо интересно, выразительно сопровождает концерт любимыми сказками, с помощью которых деткам удается лучше понять музыку. Кроме этого детки слушают краткую историю про каждый инструмент и запоминают его составные элементы. Сложно поверить, но в 2,5 года мой сын знает что такое колки! В финале почти все детки играют на музыкальных инструментах. Восторг и радость царила на всех концертах! СПАСИБО ВАМ, УВАЖАЕМЫЕ АРТИСТЫ, ЧТО СОГРЕВАЕТЕ НАШИ СЕРДЦА!